L'atelier A

Atelier A

Chaque semaine ARTE Creative et l'Adagp vous font découvrir le travail d'un artiste à l'occasion de son actualité. En visitant son atelier, partez à la découverte des inspirations et des techniques de la nouvelle génération d'artistes contemporains. 

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Entre effacement et apparition, des gestes simples et minimaux se répètent sur le papier ou dans l’argile. Tant fragiles que puissantes, des fleurs aux allures de mondes célestes apparaissent et sont la trace de cycles de vie et de mort. Ce dialogue avec les éléments naturels, soit l’eau pour la peinture et le feu pour la sculpture, est un éloge de la transformation et des mutations.

l'atelier A

Depuis ses études à l’École des Beaux-Arts de Paris, Pauline Bazignan s’immerge dans la matière.

Pauline Bazignan

Si figurer l’humain a toujours été une difficulté pour Mathilde Denize, elle a fait de ce problème un véritable moteur de création. Ses sculptures et ses peintures fonctionnent comme des collages reposant sur un seul mantra : rien ne se perd, tout se transforme. Que ce soit ses peintures qu’elle découpe ou les matériaux qu’elle prélève dans la rue, tout est affaire de fragments qui se répondent et s’assemblent sur la toile comme dans l’espace.

À travers une pratique quotidienne d’atelier, Mathilde Denize se confronte à travers des combinaisons étranges de formes et de matériaux à sa difficulté à figurer l’humain.

Mathilde Denize

Tels des visions, rêves et cauchemars, les œuvres de Myriam Mechita allient des réalités tangibles et mystiques. Ses dessins et sculptures (céramique, verre et bronze) présentent un univers où cohabitent les paradoxes : une personne décapitée, un oiseau fragile, un chien furieux, une femme lascive… L’artiste traverse les époques et niveaux de perception pour embrasser le genre humain dans toutes ces contradictions.

À travers ses dessins et ses sculptures, c’est à une quête alchimique que nous convie Myriam Mechita, pour faire émerger des diamants de la boue.

Myriam Mechita

Bernard Piffaretti élabore en 1984 un procédé sur lequel repose l’ensemble de sa peinture : après avoir divisé la toile tendue sur châssis en deux parties égales par un marquage vertical, il peint l’une des deux moitiés du tableau, puis en reporte sur la seconde chaque élément de la composition, respectant l’ordre d’application, le choix des couleurs et les effets de matières. 

Bernard Piffaretti nous présente la tapisserie réalisée pour la galerie des Gobelins.

Bernard Piffaretti

 
Fascinée par l’histoire de la photographie, dont elle exploite les anecdotes pour concevoir ses séries, Isabelle Giovacchini travaille à la surface des images, qu’elle défigure. Avec Ambre, elle met en avant les défaillances techniques pour souligner la magie de la révélation évanescente – dans les profondeurs de l’ambre soumise aux va-et-vient de l’autofocus. 


 
Isabelle Giovacchini concentre son travail sur une approche empirique de la technique photographique. 


Atelier A - Isabelle Giovacchini

 
Laurent Grasso s’est fait connaître par l’irruption d’une masse nébuleuse avançant dans les rues d’une ville, catastrophe cheminant sans destruction apparente dans des espaces familiers. Il bâtit des expériences de vision et s’emploie à plonger son spectateur dans des ambiances ultra contrôlées. L’exposition est autant son medium que la vidéo ou la sculpture.


 
Laurent Grasso revient sur l’objet même exposition où les œuvres de Studies into the Past occupent une place centrale.


Laurent Grasso

 
Par le virtuel, transformer un lieu sans y toucher. Par l’introduction de l’aléatoire et du hasard dans un univers digital, parvenir à l’émerveillement. Tels sont les objectifs de Miguel Chevalier qui, par son travail, renouvelle le statut de l’image, loin de la toile ou du papier. Elle abandonne son statut pérenne et accepte d’être éphémère et perpétuellement mobile et changeante. 


 
Voûtes célestes est une installation 100 % numérique occupant la nef et la croisée du transept de Saint-Eustache.


Miguel Chevalier

 
Aurélie Pétrel envisage systématiquement son travail en deux phases. À commencer par le minutieux travail photographique en studio dont naissent ses images. Mais elle est de ces artistes pour qui l’existence de l’œuvre se mesure à l’aune du regard qu’on y porte, du désir d’activation qu’on lui offre.


 
Elle définit son travail photographique, de ses prises de vue, installations et conditions d’apparition de l’œuvre.


Aurélie Pétrel

 
Stéphane Bordarier nous parle de son travail et la façon dont ses toiles dialoguent avec des décennies de peinture. Il revient notamment sur ses œuvres réalisées au "violet de mars" et sur sa technique, en forme de contrainte.


 
Stéphane Bordarier utilise les contraintes techniques comme début et fin de la création d'une œuvre.


Stéphane Bordarier

Né en 1965 sur l'île de Vanuatu dans le Pacifique Sud, Gilles Barbier est arrivé en France à sa majorité. Il a depuis développé une oeuvre protéiforme et débridée qui jongle entre la sculpture, l'installation et le dessin. Cet artiste a notamment commencé par recopier les pages du dictionnaire illustré.

Gilles Barbier ou « la vie est un jeu ».

Gilles Barbier

Gaëlle Hippolyte + Lina Hentgen génèrent un 3ème personnage comme une sphère de partage et un outil de mise à distance par rapport à l’œuvre produite. Car c’est bien du lieu commun, de l’image partagée, des codes identifiables que travaille le duo de choc. Empruntant à la BD, au dessin animé ou au dessin de presse, elles se livrent à une investigation de l’imagerie populaire.

Hippolyte Hentgen, un personnage de fiction né de la collaboration de deux femmes artistes. 

Hippolyte Hentgen

Myriam Mihindou travaille selon des contextes spécifiques. Elle s’imprègne, investit et arpente les langues, les énergies, les histoires, les paysages, les corps, les matériaux qu’elle va ensuite injecter dans ses performances, photographies et sculptures. La performance, comprise comme un médium où le corps est à la fois l’outil et l’écran d’une pensée, peut être envisagée comme le fil conducteur d’une pratique artistique cathartique.

Artiste pluridisciplinaire, Myriam Mihindou donne corps aux mémoires blessées pour en trouver les points de résistance et de résilience.

Myriam Mihindou

atelier A - Bertrand Gadenne

Longtemps catalogué artiste post-pop en raison de son art inspiré des objets de la vie courante - lit en forme d'une boîte à sardine, caravane en forme de brique de lait, enseignes lumineuses inspirées des logotypes de rue comme la carotte de tabac ou la baguette du boulanger - Franck Scurti a bien plus de facettes.

Franck Scurti ou « le matérialiste conceptuel ».

Franck Scurti

À 37 ans, Olivier Masmonteil affiche déjà 10 ans de travail patient et d'expositions discrètes de l'unique objet de son désir: la peinture et plus spécifiquement, le genre du paysage. Qu'il s'adonne aux grands formats ou à mille petits formats pour sa série Quelle que soit la minute du jour (2007-2009), ses paysages déroulent progressivement leur inquiétude.

Olivier Masmonteil et « les mille petits tableaux ».

Olivier Masmonteil

Françoise Pétrovitch fait du dessin, de l’aquarelle mais aussi de la céramique jusqu’aux installations et à la vidéo.

Françoise Pétrovitch

À l’occasion de l'installation des kiosques à journaux parisiens, redécouvrez le portrait de Matali Crasset.

Matali Crasset

Nous avions rencontré Prune Noury à l'occasion de la soirée performance Dîner. Prune Nourry convie ses participants à fabriquer leur progéniture idéale. Délirante ou prophétique, l’œuvre drolatique et grinçante de la jeune artiste française explore les fantasmes, les dérives et les ressources de la société contemporaine.

L'oeuvre de Prune Nourry se penche sur les mythes et les modes de la procréation.

Prune Nourry

 
Mister Brocoli + fort que Hulk, ouvre une grille de lecture à plusieurs titres, du travail d’Arnaud Labelle-Rojoux. Elle soulève une problématique, objet d’étude : de l’informe dans la sculpture. Avec la certitude qu’au bout, par les couleurs, par les mots, cette forme informe, verdâtre sur son fond rouge, fait sens.


 
Mister Brocoli + fort que Hulk d’Arnaud Labelle-Rojoux ouvre une grille de lecture de son travail.


Atelier A - Arnaud Labelle-Rojoux

Dessinateur hors pair, Jean-Luc Verna est aussi performeur, metteur en scène, chanteur, danseur, sculpteur, acteur. Il mène de front une œuvre pluridisciplinaire alliant des références qui s’étendent de l’art classique à la New wave. Il incarne tour à tour la magicienne, le satyre ou la fée pour fabriquer une mythologie nourrie de beauté, de mélancolie et de brutalité.

Depuis le début des années 1990, Jean-Luc Verna construit un univers paradoxal, où la grâce affronte la violence.