{"id":7479,"date":"2012-09-21T09:47:17","date_gmt":"2012-09-21T07:47:17","guid":{"rendered":"http:\/\/olivierpere.wordpress.com\/?p=7479"},"modified":"2013-04-03T11:24:42","modified_gmt":"2013-04-03T10:24:42","slug":"richard-fleischer-les-fantastiques-annees-70","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.arte.tv\/sites\/olivierpere\/2012\/09\/21\/richard-fleischer-les-fantastiques-annees-70\/","title":{"rendered":"Richard Fleischer, les fantastiques ann\u00e9es 70"},"content":{"rendered":"

Sur un p\u00e9riode tr\u00e8s courte, entre 1971 et 1975, le grand Richard Fleischer qui avait d\u00e9but\u00e9 sa carri\u00e8re avec le magnifique et m\u00e9connu Child of Divorce<\/em> (lire Jacques Lourcelles et son \u00ab\u00a0Dictionnaire du cin\u00e9ma\u00a0\u00bb sur ce film) r\u00e9ussit coup sur coup neuf films formidables qui comptent parmi les meilleurs de sa riche et longue filmographie, et aussi de toute la d\u00e9cennie. D\u2019une grande vari\u00e9t\u00e9, ils forment n\u00e9anmoins une sorte de sous-ensemble dans son \u0153uvre. Fleischer a r\u00e9alis\u00e9 des films extraordinaires dans les ann\u00e9es 40 (L\u2019Assassin sans visage<\/em>), 50 (20.000 lieues sous les mers<\/em>, La Fille sur la balan\u00e7oire<\/em>, Les Vikings<\/em>) et 60 (Barrabas<\/em>, L\u2019Etrangleur de Boston<\/em>) mais on a une passion particuli\u00e8re pour ses neuf films qui t\u00e9moignent de l\u2019intelligence et de l\u2019\u00e9volution de Fleischer au sein du cin\u00e9ma commercial am\u00e9ricain, capable d\u2019appr\u00e9hender des sujets audacieux avec des implications morales et un sens inn\u00e9 de la mise en sc\u00e8ne. Kiyoshi Kurosawa, admirateur de Fleischer, a dit lors d\u2019une le\u00e7on de cin\u00e9ma \u00e0 la Cin\u00e9math\u00e8que fran\u00e7aise que l\u2019\u0153uvre de Fleischer contenait \u00e0 elle seule toute l\u2019histoire du cin\u00e9ma et l\u2019\u00e9volution des formes cin\u00e9matographiques, de l\u2019\u00e2ge classique \u00e0 l\u2019\u00e2ge moderne, des ann\u00e9es 40 aux ann\u00e9es 80. Pas faux.<\/p>\n

Apr\u00e8s le flop de la superproduction sur Pearl Harbour (Tora! Tora! Tora!<\/em>, 1970) cor\u00e9alis\u00e9e avec Kinji Fukasaku et Toshio Masuda pour les s\u00e9quences japonaises Fleischer tourne ses trois films suivants en Europe.<\/p>\n

\"Richard<\/a>

Richard Attenborough dans L’Etrangleur de Rillington Place (1971)<\/p><\/div>\n

L\u2019Etrangleur de Rillington Place<\/em> (10 Rillington Place<\/em>, 1971) est la conclusion g\u00e9niale et terrifiante d\u2019une s\u00e9rie de films que Fleischer consacra \u00e0 des \u00e9tudes de cas criminels r\u00e9els et qui compte deux de ses meilleurs titres, La Fille sur la balan\u00e7oire <\/em>et L\u2019Etrangleur<\/em> de Boston<\/em>. Mais L\u2019Etrangleur de Rillington Place<\/em> les transcende, car cette \u00e9tude psychologique sur un tueur en s\u00e9rie et ses victimes est aussi un r\u00e9quisitoire contre la peine de mort (un innocent sera ex\u00e9cut\u00e9 \u00e0 la place du coupable) et contre l\u2019extr\u00eame pauvret\u00e9 et l\u2019injustice sociale qui r\u00e9gnaient encore dans la soci\u00e9t\u00e9 anglaise de l\u2019apr\u00e8s-guerre. En 1944, dans un quartier mis\u00e9rable de Londres, John Reginald Christie viole et assassine plusieurs jeunes femmes parmi ses locataires en abusant de leur confiance et de leur pauvret\u00e9. Cin\u00e9aste cam\u00e9l\u00e9on Fleischer adopte l\u2019esth\u00e9tique du cin\u00e9ma anglais de l\u2019\u00e9poque et signe un drame sordide magistralement interpr\u00e9t\u00e9 par Richard Attenborough dans le r\u00f4le de Christie, psychopathe \u00e0 la monstruosit\u00e9 ordinaire. L\u2019Etrangleur de Rillington Place<\/em> est l\u2019un des films les plus \u00e9prouvants et d\u00e9sesp\u00e9r\u00e9s de l\u2019histoire du cin\u00e9ma, h\u00e9ritier d\u2019un courant naturaliste \u00e0 la Dickens mais aussi de toute l\u2019horreur mentale et morale du XX\u00e8me si\u00e8cle, qu\u2019elle soit historique (l\u2019ombre des crimes de guerre commis par les nazis plane sur le film), sociale ou politique.<\/p>\n

\"Affiche<\/a>

Affiche am\u00e9ricaine des Complices de la derni\u00e8re chance (1971)<\/p><\/div>\n

Les Complices de la derni\u00e8re chance<\/em> (The Last Run<\/em>, 1971) est un autre chef-d\u2019\u0153uvre trop m\u00e9connu de Richard Fleischer qui rempla\u00e7a John Huston apr\u00e8s le d\u00e9but du tournage car ce dernier avait de gros probl\u00e8mes avec son acteur principal George C. Scott (magnifique dans le film).<\/p>\n

Un gangster vieillissant marqu\u00e9 par un deuil familial accepte un dernier contrat au Portugal : servir de chauffeur \u00e0 un jeune truand \u00e9vad\u00e9. Ce superbe polar d\u00e9senchant\u00e9 rejoint par son d\u00e9pouillement les audaces radicales d’un autre grand \u00ab\u00a0road movie\u00a0\u00bb am\u00e9ricain de la m\u00eame \u00e9poque, Macadam \u00e0 deux voies<\/em> de Monte Hellman. Preuve que Fleischer, au m\u00eame titre qu\u2019Aldrich, a r\u00e9alis\u00e9 des films aussi modernes, voire davantage, que les jeunes cin\u00e9astes du Nouvel Hollywood dans les ann\u00e9es 70. Le renouvellement, l\u2019audace et le doute n\u2019\u00e9taient pas seulement du c\u00f4t\u00e9 de Scorsese, Coppola et Altman.<\/p>\n

Il s\u2019agit du premier sc\u00e9nario pour le cin\u00e9ma d\u2019Alan Sharp qui allait ensuite signer d\u2019autres titres embl\u00e9matiques de l\u2019\u00e9poque dans la m\u00eame mouvance r\u00e9visionniste : trois westerns, le m\u00e9diocre L\u2019homme sans fronti\u00e8re<\/em> (The Hired Man<\/em>, 1971) r\u00e9alis\u00e9 par Peter Fonda apr\u00e8s Easy<\/em> Rider<\/em>, le g\u00e9nial Fureur apache<\/em> (Ulzana\u2019s Raid<\/em>, 1972) de Robert Aldrich et le moins connu Un colt pour une corde<\/em> (Billy Two Hats<\/em>, 1974) de Ted Kotcheff mais aussi le n\u00e9o noir La Fugue<\/em> (Night Moves<\/em>, 1975) titre important mais surestim\u00e9 d\u2019Arthur Penn et le dernier Peckinpah (The Osterman weekend<\/em>, 1983). Cela d\u00e9montre si n\u00e9cessaire que Fleischer et Aldrich restent les deux meilleurs cin\u00e9astes am\u00e9ricains des ann\u00e9es 70.<\/p>\n

\"Affiche<\/a>

Affiche am\u00e9ricaine de Terreur aveugle (1971)<\/p><\/div>\n

La m\u00eame ann\u00e9e Terreur aveugle<\/em> (Blind Terror<\/em>, 1971) confirme l\u2019efficacit\u00e9 de Fleischer dans le thriller pur et les histoires de tueurs en s\u00e9rie. Il avait d\u00e9j\u00e0, tr\u00e8s t\u00f4t dans sa carri\u00e8re, r\u00e9alis\u00e9 un joyau du genre, L\u2019Assassin sans visage<\/em> (Follow Me Qiuetly<\/em>, 1949).<\/p>\n

Dans une maison isol\u00e9e, une jeune femme aveugle (Mia Farrow) est terroris\u00e9e par un tueur psychopathe qui a massacr\u00e9 sa famille. Le sc\u00e9nario est sign\u00e9 Brian Clemens, connu pour ses contributions au cin\u00e9ma fantastique et policier anglais et pour avoir cr\u00e9\u00e9 plusieurs s\u00e9ries t\u00e9l\u00e9vis\u00e9es, notamment les c\u00e9l\u00e8bres Chapeau melon et bottes de cuir<\/em>. L\u2019id\u00e9e de d\u00e9part est originale, mais la mise en sc\u00e8ne de Fleischer l\u2019est encore plus. En jouant avec la c\u00e9cit\u00e9 de l\u2019h\u00e9ro\u00efne (et du spectateur), il s\u2019agit de filmer le tueur sans jamais montrer son visage, en adoptant souvent le principe de la cam\u00e9ra subjective ou en filmant des parties de son corps (inqui\u00e9tants plans sur ses bottes). Nous sommes en 71 et quelques ann\u00e9es plus tard ce parti-pris sera repris par de nombreux films horrifiques, en premier lieu Black Christmas<\/em> (1974) de Bob Clark, La Nuit des masques<\/em> (Halloween<\/em>, 1978) de John Carpenter et Vendredi 13<\/em> (Friday the 13th<\/em>, 1980) de Sean S. Cunningham. Il est donc possible d\u2019affirmer que Fleischer, sans en valider les d\u00e9bordements sanglants, est l\u2019inventeur avec Terreur aveugle<\/em> du \u00ab\u00a0slasher\u00a0\u00bb moderne, avec deux autres films \u00e9galement r\u00e9alis\u00e9s en 1971 : l\u2019italien La Baie sanglante<\/em> (Reazione a catena<\/em>) de Mario Bava et l\u2019anglais Fright <\/em>de Peter Collinson.<\/p>\n

De retour aux Etats-Unis Fleischer r\u00e9alise Les flics ne dorment pas la nuit<\/em> (The New Centurions<\/em>, 1972), l\u2019un de ses meilleurs films mais aussi l\u2019un des plus beaux films am\u00e9ricains des ann\u00e9es 70.<\/p>\n

A Los Angeles, une nouvelle recrue (Stacy Keach) de la police est associ\u00e9e \u00e0 un v\u00e9t\u00e9ran (George C. Scott), pour les patrouilles de nuit. La premi\u00e8re vertu de ce film, c\u2019est son r\u00e9alisme et sa dimension prol\u00e9tarienne. Fleischer s\u2019int\u00e9resse au projet car il montre, fait rare, la vie quotidienne des simples policiers en uniformes, qui arpentent la ville de jour comme de nuit, confront\u00e9s \u00e0 la violence et \u00e0 la mis\u00e8re sociale du monde moderne. Fleischer filme leur travail avec honn\u00eatet\u00e9, au ras du bitume, adoptant un style presque documentaire. Il n\u2019a pas peur de se confronter au sordide et \u00e0 briser certains tabous (le jeune flic sombre dans l\u2019alcoolisme et boit pendant son service.)<\/p>\n

Fleischer filme aussi les doutes, les col\u00e8res, les angoisses des flics sans sombrer dans la d\u00e9magogie et sans oublier l\u2019importance de la dramaturgie.<\/p>\n

La sc\u00e8ne du suicide de Scott, quelques jours apr\u00e8s sa retraite, ne poss\u00e8de gu\u00e8re d\u2019\u00e9quivalent dans le cin\u00e9ma am\u00e9ricain contemporain. Comme si la po\u00e9sie \u00e9pique rencontrait la rubrique faits-divers.<\/p>\n

Une fois de plus seul Robert Aldrich sera capable de rivaliser avec Fleischer dans sa vision implacable de l\u2019Am\u00e9rique contemporaine et de ses institutions avec, sur le m\u00eame sujet, Bande de flics<\/em> (The Choirboys<\/em>) cinq ans plus tard. Un film d\u2019une noirceur absolue mais qui choisit l\u2019angle comique et m\u00eame grotesque pour parler de la vie d\u2019un commissariat de Los Angeles. La critique am\u00e9ricaine ha\u00efra le film en le consid\u00e9rant comme un navet, alors que c\u2019est un chef-d\u2019\u0153uvre. Mais Les flics ne dorment pas la nuit<\/em> malgr\u00e9 quelques admirateurs \u00e9parpill\u00e9s dans le monde n\u2019a pas non plus la r\u00e9putation qu\u2019il m\u00e9rite. Il fut m\u00eame \u00e0 l\u2019\u00e9poque de sa sortie tax\u00e9 de fascisme par la critique, \u00e0 l\u2019instar de L\u2019Inspecteur Harry<\/em>, parce qu\u2019il s\u2019int\u00e9ressait au sort de la police en adoptant le point de vue d\u2019une recrue id\u00e9aliste. Rien de plus faux et de plus stupide : le film de Fleischer ne poss\u00e8de pas l\u2019ambig\u00fcit\u00e9 g\u00e9niale du film de Don Siegel. Il est juste d\u2019un pessimisme et d\u2019une lucidit\u00e9 \u00e0 la limite du supportable.<\/p>\n

\"Soleil<\/a>

Soleil vert (1973)<\/p><\/div>\n

Soleil vert<\/em> (Soylent Green<\/em>, 1973) d\u00e9couvert adolescent sur grand \u00e9cran lors d\u2019une nuit du cin\u00e9ma, dans toute sa dimension spectaculaire et \u00e9motionnelle est toujours l\u2019un de mes films de science-fiction pr\u00e9f\u00e9r\u00e9s. 2022. La plan\u00e8te est ravag\u00e9e par la pollution et la surpopulation. Les habitants de New York ne survivent que gr\u00e2ce \u00e0 la nourriture synth\u00e9tique fabriqu\u00e9e par la compagnie Soylent.<\/p>\n

\"Charlton<\/a>

Charlton Heston dans Soleil vert (1973)<\/p><\/div>\n

Un policier (Charlton Heston) enqu\u00eate sur le meurtre de l\u2019ancien directeur de Soylent. Ce grand film des ann\u00e9es 70 s’inscrit dans le courant catastrophiste : ici, c’est la surpopulation et la pollution qui inspirent aux sc\u00e9naristes une vision apocalyptique du futur qui d\u00e9bouche sur une r\u00e9v\u00e9lation horrible. Sans effets sp\u00e9ciaux mais avec beaucoup d\u2019intelligence et des sc\u00e8nes inoubliables (les manifestants dispers\u00e9s \u00e0 l’aide de bulldozers, la mort d\u2019Edward G. Robinson, le seul ami d\u2019Heston dans le film, qui choisit l\u2019euthanasie lorsqu\u2019il d\u00e9couvre l\u2019effroyable v\u00e9rit\u00e9), Soleil vert<\/em> a tr\u00e8s bien vieilli \u00e0 la diff\u00e9rence d\u2019autres films d\u2019anticipation r\u00e9alis\u00e9s avant ou apr\u00e8s lui parce que sa mise en sc\u00e8ne, son histoire et son interpr\u00e9tation sont exceptionnelles et qu\u2019il ne repose pas sur des trucages r\u00e9ussis.<\/p>\n

\"Affiche<\/a>

Affiche am\u00e9ricaine de Don Angelo est mort (1973)<\/p><\/div>\n

Don Angelo est mort<\/em> (The Don Is Dead<\/em>, 1973) est un titre plus mineur dans la filmographie de Fleischer. Il est \u00e9vident que les producteurs ont voulu profiter du triomphe du Parrain<\/em> de Coppola et exploiter la mode des films sur la mafia.<\/p>\n

A la mort de son p\u00e8re, Frank Regalbuto se place sous la protection de Don Angelo. A cause d\u2019une femme, les relations entre les deux hommes s\u2019enveniment et bient\u00f4t une guerre de clans \u00e9clate. Fleischer met son savoir-faire au service d\u2019une histoire classique et le film, sans esbroufe et bien interpr\u00e9t\u00e9, est tr\u00e8s plaisant.<\/p>\n

Pause r\u00e9cr\u00e9ative dans la filmographie de Fleischer, Monsieur Majestyk <\/em>(Mister Majestyk<\/em>, 1974) est un r\u00e9gal pour les amateurs de polars \u00ab\u00a0hard boiled\u00a0\u00bb et les fans de Charles Bronson, dont nous sommes. C\u2019est l\u2019un des meilleurs de la carri\u00e8re de Chuck, qui compte beaucoup plus de bons films qu\u2019on le pense (tous tourn\u00e9s avant la d\u00e9bandade des productions Cannon).<\/p>\n

\"Charles<\/a>

Charles Bronson dans Monsieur Majestyk (1974)<\/p><\/div>\n

Vince Majestyk (Bronson) emploie des immigrants mexicains pour ramasser les past\u00e8ques de sa r\u00e9colte. Mais un repr\u00e9sentant du milieu veut le forcer \u00e0 utiliser ses propres hommes. Histoire classique du petit entrepreneur ind\u00e9pendant en butte au syst\u00e8me, sauf qu\u2019ici le h\u00e9ros solitaire est un v\u00e9t\u00e9ran du Vietnam d\u00e9cid\u00e9 \u00e0 ne pas se laisser impressionner, et le syst\u00e8me est la mafia. Un Bronson de gauche\u00a0? Fleischer l\u2019a fait. Polar rural au rythme \u00ab\u00a0cool\u00a0\u00bb mais parsem\u00e9 de formidables sc\u00e8nes d\u2019action, Mister Majestyk<\/em> b\u00e9n\u00e9ficie en outre de la pr\u00e9sence en tueur de la mafia d\u2019Al Lettieri, que l\u2019on retrouve en m\u00e9chant dans plusieurs films am\u00e9ricains de l\u2019\u00e9poque (Le Parrain<\/em>, Guet-apens<\/em>\u2026)<\/p>\n

Il y a d\u00e9j\u00e0 (presque) tout Tarantino (et un peu moins) dans Monsieur Majestyk<\/em>, un mod\u00e8le de \u00ab\u00a0pulp fiction\u00a0\u00bb bien avant que cela devienne la mode. Il est vrai que les\u00a0westerns et certains polars italiens (parfois interpr\u00e9t\u00e9s par Bronson, d\u00e9j\u00e0) avaient montr\u00e9 la voie.<\/p>\n

\"George<\/a>

George C. Scott dans Les flics ne dorment pas la nuit (1972)<\/p><\/div>\n

A noter que Fleischer dans les ann\u00e9es 70 a fait tourner les stars les plus viriles du cin\u00e9ma am\u00e9ricain : Bronson mais aussi George C. Scott, Charlton Heston, Anthony Quinn, Lee Marvin. Il ne manque que Steve McQueen a ce palmar\u00e8s d\u2019excellents acteurs au caract\u00e8re et au physique exceptionnels. Fleischer dirigera des acteurs plus jeunes, eux aussi excellents comme Stacy Keach, Tony Musante, Frederic Forrest, Perry King ou Robert Foster.<\/p>\n

\"Lee<\/a>

Lee Marvin dans Du sang dans la poussi\u00e8re (1974)<\/p><\/div>\n

Ultime et meilleure contribution de Fleischer au western, un genre qu\u2019il fr\u00e9quenta avec parcimonie, Du sang dans la poussi\u00e8re<\/em> (The Spikes Gang<\/em>, 1974) est un faux roman d\u2019apprentissage, un voyage au bout de la nuit dans lequel la soif de libert\u00e9 de trois adolescents, qui d\u00e9cident de devenir bandits de grand chemin sous l\u2019influence d\u2019un hors-la-loi vieillissant, tourne imm\u00e9diatement au d\u00e9sastre. Il n\u2019y a pas d\u2019\u00e9quivalent dans le cin\u00e9ma am\u00e9ricain de d\u00e9b\u00e2cle aussi totale de l\u2019\u00e9pop\u00e9e du western. Lee Marvin, dans le r\u00f4le de Spike, p\u00e8re de substitution mal\u00e9fique, moins corrupteur que l\u00e2che et cynique, est grandiose. Fleischer r\u00e9siste \u00e0 la tentation du mani\u00e9risme cr\u00e9pusculaire et signe une \u0153uvre d\u00e9pouill\u00e9e et pessimiste. M\u00eame au c\u0153ur du chaos et de la fin des valeurs, Fleischer est rest\u00e9 un cin\u00e9aste classique.<\/p>\n

\"Mandingo<\/a>

Mandingo (1975)<\/p><\/div>\n

De tout les grands films de Fleischer Mandingo <\/em>(1975) est sans doute le plus m\u00e9pris\u00e9 et incompris, victime d\u2019un malentendu d\u00e8s sa sortie. Il est \u00e9vident que ce film est le produit d\u2019une \u00e9poque o\u00f9 le cin\u00e9ma n\u2019avait pas peur de choquer et de d\u00e9plaire. Ce pouvait m\u00eame \u00eatre, \u00e0 l\u2019occasion, un argument commercial. Film \u00e0 gros budget produit par Dino De Laurentiis avec un distribution internationale de qualit\u00e9, Mandingo<\/em> est une fresque historique con\u00e7ue comme l\u2019antith\u00e8se trash d\u2019Autant en emporte le vent<\/em>, bien en phase avec les relectures r\u00e9visionnistes des ann\u00e9es 70 (le sc\u00e9nario est sign\u00e9 Norman Wexler, qui venait d\u2019\u00e9crire deux films importants \u00e0 fort contenu politique produit par De Laurentiis, Joe<\/em> (sur un personnage d\u2019am\u00e9ricain moyen fasciste) et Serpico<\/em> (sur un flic id\u00e9aliste victime de la corruption de la police new yorkaise).<\/p>\n

En 1840, le ma\u00eetre incontest\u00e9 d\u2019une des plus grandes plantations du sud des Etats-Unis (James Mason) est obs\u00e9d\u00e9 par la survivance de son nom et la sauvegarde de la race mandingue, tandis que son fils et sa bru, sexuellement attir\u00e9s par les esclaves noirs, se d\u00e9battent avec leurs n\u00e9vroses et leurs frustrations.<\/p>\n

Fleischer a d\u00e9clar\u00e9 au sujet du film\u00a0: \u00ab\u00a0Mon Mandingo<\/em> est un reflet v\u00e9ridique de cette \u00e9poque. Et s\u2019il est vrai qu\u2019il se montre m\u00e9lodramatique par endroits, il n\u2019en est pas moins un portrait rigoureusement exact des horreurs de l\u2019esclavage.\u00a0\u00bb<\/p>\n

Quand on revoit le film aujourd\u2019hui on est encore horrifi\u00e9 par son contenu violent et sexuel souvent insoutenable qui dresse un portrait sans concession de l\u2019esclavagisme et de l\u2019aristocratie sudiste. A cause de certaines sc\u00e8nes scabreuses et de son langage ordurier et raciste un tel film serait impensable de nos jours et ne franchirait pas les barri\u00e8res de la censure et surtout de l\u2019autocensure des studios. Si Fleischer, toujours d\u2019une grande modestie et d\u2019une grande discr\u00e9tion, prit la peine de d\u00e9fendre son film et d\u2019exposer ses intentions, c\u2019est que Mandingo<\/em> fut longtemps consid\u00e9r\u00e9 comme un pur produit d\u2019exploitation, entre roman de gare et pornographie hollywoodienne voyeuriste et racoleuse. C\u2019est faux et le film m\u00e9rite r\u00e9\u00e9valuation, aux m\u00eame titre que les films les plus controvers\u00e9s de Sam Peckinpah (Croix de fer<\/em>) ou Samuel Fuller (Dress\u00e9 pour tuer<\/em>). Ce n\u2019est pas parce qu\u2019un film met en sc\u00e8ne des personnages racistes qu\u2019il est lui m\u00eame raciste. Fleischer n\u2019a pas peur de se confronter \u00e0 l\u2019horreur de l\u2019histoire et ne renonce pas \u00e0 un point de vue moral m\u00eame et surtout lorsqu\u2019il filme des individus abjects (voir L\u2019Etrangleur de Rillington Place<\/em>). Ce qui surprend encore plus de la part de Fleischer, ce sont des partis-pris stylistiques comme le zoom qui d\u00e9tonne chez un cin\u00e9aste classique qui a toujours utilis\u00e9 avec parcimonie (mais avec beaucoup de brio) les effets modernistes. On se souvient des magistrales s\u00e9quences en split screen de L\u2019Etrangleur de Boston<\/em> en 1968 bien avant Brian De Palma et m\u00eame Robert Aldrich. Ici le zoom et le grand-angulaire accentuent la violence et le climat de d\u00e9composition du film.<\/p>\n

Finalement, si Mandingo<\/em> fait penser \u00e0 un autre grand film, dans sa description d\u2019un monde d\u00e9cadent et monstrueux, c\u2019est aux Damn\u00e9s<\/em> de Luchino Visconti.<\/p>\n

Si la premi\u00e8re moiti\u00e9 des ann\u00e9es 70 est extraordinaire la seconde est catastrophique. La biographie film\u00e9e de Sarah Bernhardt (The Incredible Sarah<\/em>, 1976) est peut-\u00eatre le seul titre compl\u00e8tement nul de Fleischer (avec l\u2019atroce Doctor Dolittle<\/em>) et Ashanti <\/em>(1979) ne vaut gu\u00e8re mieux. Dans les ann\u00e9es 80 Fleischer ex\u00e9cute les basses \u0153uvres de Dino De Laurentiis en r\u00e9alisant les m\u00e9diocres bandes d\u2019Heroic Fantasy Conan le destructeur<\/em> (Conan the Destroyer<\/em>, 1984) et Kalidor la l\u00e9gende du talisman<\/em> (Red Sonja<\/em>, 1985) et une com\u00e9die \u00e0 peu pr\u00e8s irregardable Million Dollar Mystery<\/em> qui sera malheureusement son ultime long m\u00e9trage en 1987. Le v\u00e9ritable testament artistique de Richard Fleischer, in\u00e9dit en France et h\u00e9las m\u00e9connu est Tough Enough<\/em> (1983), r\u00e9cit de formation dans les milieux de la boxe amateur et de la musique country merveilleusement interpr\u00e9t\u00e9 par Dennis Quaid et Warren Oates. Une tranche d\u2019Americana juste et r\u00e9aliste avec des personnages attachants, repr\u00e9sentative du talent et de la versatilit\u00e9 du cin\u00e9aste, aussi \u00e0 l\u2019aise dans le drame intimiste que le grand spectacle, et qui r\u00e9alisa au moins une r\u00e9ussite absolue dans chaque genre hollywoodien.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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