{"id":262,"date":"2011-02-02T10:27:18","date_gmt":"2011-02-02T09:27:18","guid":{"rendered":"http:\/\/olivierpere.wordpress.com\/?p=262"},"modified":"2013-05-12T12:48:16","modified_gmt":"2013-05-12T11:48:16","slug":"retour-sur-quelques-grands-films-des-annees-2000","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.arte.tv\/sites\/olivierpere\/2011\/02\/02\/retour-sur-quelques-grands-films-des-annees-2000\/","title":{"rendered":"Retour sur quelques grands films des ann\u00e9es 2000"},"content":{"rendered":"

Il aura fallu peu de temps \u00e0 certains films pour devenir des chefs-d’oeuvre, des jalons dans l’histoire du cin\u00e9ma, ou plus secr\u00e8tement des mots de passe pour les nouvelles g\u00e9n\u00e9rations de cin\u00e9philes et d’observateurs du cin\u00e9ma contemporain, titres symptomatiques des mutations et des m\u00e9tamorphoses du r\u00e9cit, de la forme et de la production qu’a connu \u2013 pour le meilleur \u2013 le cin\u00e9ma ces dix derni\u00e8res ann\u00e9es, entre rupture et h\u00e9ritage, classicisme et exp\u00e9rimentation, romanesque et po\u00e9sie, pass\u00e9 et futur, r\u00eave et r\u00e9alit\u00e9. Voici quelques titres essentiels qui \u00e0 mes yeux constituent une cin\u00e9math\u00e8que (ou DVDth\u00e8que) id\u00e9ale, un panth\u00e9on personnel qui est une d\u00e9claration d’amour \u00e0 quelques uns des cr\u00e9ateurs de formes les plus passionnants des ann\u00e9es 2000,\u00a0 vieux ma\u00eetres et jeunes g\u00e9nies, artistes et metteurs en sc\u00e8ne. Tous cin\u00e9astes.<\/span><\/p>\n

Russkiy kovcheg<\/em> (L’Arche russe<\/em>) d’Aleksandr Sokurov (2002)<\/strong><\/span><\/p>\n

\"L'Arche<\/a>

L’Arche russe<\/p><\/div>\n

Sokurov est le dernier grand ma\u00eetre, au sens viscontien, du cin\u00e9ma europ\u00e9en. Et un des grands artistes du num\u00e9rique, auquel il conf\u00e8re une valeur proustienne. Le cin\u00e9aste russe a obtenu un L\u00e9opard d’Honneur au Festival del film Locarno. Son cin\u00e9ma pose les questions de la conservation (de l\u2019Histoire, de l\u2019art) et de la m\u00e9moire. Je pourrais \u00e9galement citer Solntse <\/em>(Le Soleil<\/em>) qui est lui aussi magnifique. Son Faust <\/em>est d’ores et d\u00e9j\u00e0 un des films les plus attendus de l’ann\u00e9e.<\/span><\/p>\n

Black Book<\/em> de Paul Verhoeven (2006)<\/strong><\/span><\/p>\n

\"Black<\/a>

Black Book<\/p><\/div>\n

Verhoeven (un autre laur\u00e9at du L\u00e9opard d’Honneur) r\u00e9alise au moins un tr\u00e8s grand film par d\u00e9cennie\u00a0: apr\u00e8s Flesh+Blood<\/em> dans les ann\u00e9es 80 et Showgirls<\/em> dans les ann\u00e9es 90, c\u2019est au tour de Black Book <\/em>pour les ann\u00e9es 2000.\u00a0 C\u2019est le Robert Aldrich d\u2019aujourd\u2019hui, un monstre anachronique qui rugit encore.<\/span><\/p>\n

Death Proof <\/em>(Boulevard de la mort \u2013 Un film Grindhouse<\/em>) de Quentin Tarantino (2007)<\/strong><\/span><\/p>\n

\"Boulevard<\/a>

Boulevard de la mort – un film grindhouse<\/p><\/div>\n

\u00c0 ce jour le meilleur film de Tarantino, m\u00eame si Inglourious Basterds<\/em> est une d\u00e9licieuse vulgarisation de sa veine exp\u00e9rimentale. Death Proof<\/em> demeure le film am\u00e9ricain le plus radical et le plus original de ces derni\u00e8res ann\u00e9es, m\u00eame et surtout par rapport aux films pr\u00e9c\u00e9dents de Tarantino, brillants mais moins audacieux que ce Boulevard de la mort <\/em>qui distille une r\u00e9elle jubilation de spectateur.<\/span><\/p>\n

The Brown Bunny <\/em>de Vincent Gallo (2003)<\/strong><\/span><\/p>\n

\"The<\/a>

The Brown Bunny<\/p><\/div>\n

Un film m\u00e9t\u00e9orique et sublime par le plus impr\u00e9visible des artistes contemporains. Gallo a depuis r\u00e9alis\u00e9 le tr\u00e8s beau Promises Written on Water<\/em>, qu’il refuse de montrer depuis sa pr\u00e9sentation \u00e0 Venise et Toronto. On y reviendra.<\/span><\/p>\n

Aquele Querido M\u00eas de Agosto<\/em> (Ce cher mois d’ao\u00fbt<\/em>) de Miguel Gomes (2008)<\/strong><\/span><\/p>\n

\"Ce<\/a>

Ce cher mois d’ao\u00fbt<\/p><\/div>\n

C\u2019est un film immense, aux dimensions cosmiques, qui aborde une multitude de sujets et raconte beaucoup d\u2019histoires mais ne parle pourtant que d\u2019une seule chose : la vie. On pense aux chefs-d\u2019\u0153uvre h\u00e9donistes de Jean Renoir, dont Miguel Gomes apr\u00e8s Jacques Rozier et quelques autres est le nouvel h\u00e9ritier. Gomes parvient \u00e0 construire un film tr\u00e8s structur\u00e9 capable d\u2019accueillir dans son dispositif de mise en sc\u00e8ne l\u2019inattendu, l\u2019accidentel, l\u2019humain tout simplement. Si\u00a0l\u2019on en croit Gomes et son \u00e9quipe, le film qui a d\u00fb faire face \u00e0 tout ce qui peut arriver de pire sur un tournage : probl\u00e8mes de distribution, manque de financements, soutiens qui disparaissent\u2026 Le tournage s\u2019est d\u00e9roul\u00e9 en deux temps. En 2006, Gomes part avec une \u00e9quipe r\u00e9duite et une cam\u00e9ra 16mm et commence \u00e0 tourner au c\u0153ur du Portugal montagnard. Bient\u00f4t rien de ne se passe comme pr\u00e9vu et le film s\u2019arr\u00eate, faute d\u2019argent. Entre-temps, des financements arrivent et permettent de reprendre le tournage du film dans des conditions un peu plus normales un an plus tard. Ces diff\u00e9rents niveaux de tournage et de sc\u00e9nario apparaissent finalement dans Aquele Querido M\u00eas de Agosto<\/em> : le documentaire sur une r\u00e9gion et ses habitants, le m\u00e9lodrame (au sens strict, donc en chansons) sur des histoires de familles et d\u2019amour impossible, et la partie comique du film dans le film. Le r\u00e9sultat est magnifique, nourri \u00e0 la fois par les aventures de son tournage et la r\u00e9flexion artistique de Gomes, qui organise de mani\u00e8re tr\u00e8s subtile le glissement progressif du documentaire vers la fiction. Le tournage du film s\u2019est transform\u00e9 en aventure collective, prenant des allures de \u00ab film communiste \u00bb selon les mots du r\u00e9alisateur.<\/span><\/p>\n

El cant dels ocells<\/em> (Le Chant des oiseaux<\/em>) d’Albert Serra (2008)
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\"Le<\/a>

Le Chant des oiseaux<\/p><\/div>\n

En deux films officiels (mais dieu sait ceux qu\u2019il nous cache), Honor de cavalleria<\/em> (2006) et El cant dels ocells<\/em> (2008), Albert Serra s\u2019est impos\u00e9 comme la plus belle apparition cin\u00e9matographique des ann\u00e9es 2000. La plus belle car totalement anarchique, impertinente, enthousiasmante. A la fois iconoclaste et admiratif de ses ma\u00eetres, le Catalan Serra r\u00e9invente, par la seule force de son inspiration et de sa d\u00e9termination, non pas une nouvelle fa\u00e7on de faire de films, mais la plus ancienne, la plus juste, la plus libre.<\/span><\/p>\n

No Quarto da Vanda<\/em> (Dans la chambre de Vanda<\/em>) de Pedro Costa (2000)
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\"Dans<\/a>

Dans la chambre de Vanda<\/p><\/div>\n

Dans la chambre de Vanda<\/em>, quatri\u00e8me long m\u00e9trage du cin\u00e9aste portugais Pedro Costa, est devenu d\u00e8s ses premi\u00e8res projections (c’\u00e9tait au Festival del film Locarno) une sorte de manifeste du cin\u00e9ma moderne contemporain, v\u00e9ritable chef-d\u2019oeuvre de contrebande, parfois intimidant par sa splendeur formelle et en m\u00eame temps preuve tangible de l\u2019urgence et de la puissance que peuvent encore revendiquer un cin\u00e9ma libre, sauvage, politique et po\u00e9tique. Le cin\u00e9ma est affaire de rencontres. Pedro Costa s\u2019est install\u00e9 avec une cam\u00e9ra DV dans un bidonville de la banlieue de Lisbonne, Fontaihanas, pour y filmer de longs mois Vanda, sa soeur Zita et quelques autres, qui vivent dans un d\u00e9pouillement et une pauvret\u00e9 presque totales. Vanda passe la majeure partie de son temps \u00e0 se droguer, se disputer avec sa soeur ou se livrer \u00e0 des occupations d\u00e9risoires. Nous sommes loin du documentaire, du reportage accablant ou du t\u00e9moignage ethnologique. La composition maniaque du cadre, la fixit\u00e9 implacable de la camera t\u00e9moignent \u00e0 la fois d\u2019un souci de stylisation absolue et d\u2019une attention totale au moindre accident du r\u00e9el. Dans la chambre de Vanda<\/em> est une oeuvre d\u2019art o\u00f9 la vie fait irruption dans chaque plan. H\u00e9ritier punk de Straub et d\u2019Ozu, passeur entre une esth\u00e9tique du cin\u00e9ma muet et les possibilit\u00e9s offertes par le num\u00e9rique en terme de lumi\u00e8re et de dur\u00e9e, Costa filme moins le d\u00e9sespoir que la r\u00e9sistance d\u2019une petite communaut\u00e9 oubli\u00e9e par tous et qui survit en autarcie entre d\u00e9fonce, trafic et prostration. Enferm\u00e9 dans une chambre minuscule avec ses h\u00e9ro\u00efnes h\u00e9ro\u00efnomanes, Costa retrouve l\u2019\u00e9nergie primitive du cin\u00e9ma des origines, renoue avec la force \u00e9vocatrice d\u2019un art de l\u2019enregistrement. Blocs d\u2019images et de temps, les films de Costa ne cherchent pas \u00e0 enluminer la mis\u00e8re, plut\u00f4t \u00e0 glorifier l\u2019orgueil et la r\u00e9bellion de ceux qui n\u2019ont rien, \u00e0 ouvrir, par un surcro\u00eet de r\u00e9alisme et d\u2019observation, des perspectives magiques, proches de la transe vaudou.<\/span><\/p>\n

The Host<\/em> de Bong Joon-ho (2006)
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\"The<\/a>

The Host<\/p><\/div>\n

Comme Memories of Murder<\/em> pouvait le laisser penser, The Host<\/em> confirme que Bong Joon-ho est le meilleur cin\u00e9aste cor\u00e9en de sa g\u00e9n\u00e9ration, et un conteur de g\u00e9nie, capable de concilier en un seul film les qualit\u00e9s narratives et visuelles des films de William Friedkin, Sergio Leone et Steven Spielberg\u00a0: film de monstre, satire politique, m\u00e9lodrame familial, sc\u00e9nario catastrophe, tous ces ingr\u00e9dients sont parfaitement ma\u00eetris\u00e9s. Le jeune cin\u00e9aste cor\u00e9en r\u00e9ussit le film populaire, intelligent, \u00e9mouvant, personnel et spectaculaire qu\u2019Hollywood ou Cinecitt\u00e0 pouvaient produire dans les ann\u00e9es 60 ou 70. Autour de The Host<\/em>, d\u2019autres films de science-fiction m\u2019ont beaucoup plus ces derni\u00e8res ann\u00e9es\u00a0: War of the Worlds<\/em> de Steven Spielberg, Cloverfield<\/em> de Matt Reeves, The Mist<\/em> de Frank Darabond, Dawn of the Dead<\/em> et Watchmen<\/em> de Zack Snyder. Mais aucun n\u2019atteint la puissance \u00e9motionnelle de The Host<\/em>.<\/span><\/p>\n

Los Muertos<\/em> de Lisandro Alonso (2004)<\/strong><\/span><\/p>\n

\"Los<\/a>

Los Muertos<\/p><\/div>\n

Un cin\u00e9ma de l\u2019enregistrement pur du monde qui d\u00e9bouche sur \u00e0 la fois sur une exp\u00e9rience de spectateur presque hallucinatoire et une r\u00e9flexion m\u00e9taphysique sur l\u2018humanit\u00e9. L’Argentin Lisandro Alonso est plus jeune et le plus sauvage des grands cin\u00e9astes modernes.<\/span><\/p>\n

L\u2019Anglaise et le Duc<\/em> (2001) + Triple Agent<\/em> (2005) + Les Amours d\u2019Astr\u00e9e et de\u00a0 C\u00e9ladon<\/em> (2007) d’Eric Rohmer<\/strong><\/span><\/p>\n

\"L'Anglaise<\/a>

L’Anglaise et le Duc<\/p><\/div>\n

Eric Rohmer (1920-2010) a sign\u00e9 dans les ann\u00e9es 2000 une trilogie parfaite de films historiques, lui qui avait entrepris les d\u00e9cennies pr\u00e9c\u00e9dentes un travail subtil sur la soci\u00e9t\u00e9 fran\u00e7aise, ses modes, sa jeunesse, son langage. Les contes moraux, les com\u00e9dies et proverbes, les contes des quatre saisons, v\u00e9ritables travers\u00e9es ethnologiques de la France contemporaine.<\/span><\/p>\n

Avec ces trois chefs-d\u2019\u0153uvre en costumes, Rohmer ne d\u00e9cide pas seulement un repli vers le pass\u00e9, m\u00eame si le cin\u00e9aste se pla\u00eet \u00e0 des recherches linguistiques et historiques qui permettent une approche juste et document\u00e9e de chaque \u00e9poque concern\u00e9e. Ces films sont la d\u00e9monstration de certaines de ces grandes th\u00e9ories sur le cin\u00e9ma et sur son propre cin\u00e9ma. Pour Rohmer, le classicisme c\u2019est la modernit\u00e9. Il le prouve avec L\u2019Anglaise et le Duc<\/em> qui combine un sujet contre-r\u00e9volutionnaire, une esth\u00e9tique h\u00e9rit\u00e9e des grands ma\u00eetres du muet (Murnau, Griffith) et l\u2019utilisation du num\u00e9rique et des incrustations de d\u00e9cors. Comme Pedro Costa, Rohmer n\u2019utilise pas le num\u00e9rique pour sa maniabilit\u00e9 (Rohmer avait syst\u00e9matis\u00e9 avant tout le monde les tournages l\u00e9gers en 16mm) mais sa fixit\u00e9. Le num\u00e9rique n\u2019apporte pas un surplus de naturel, mais au contraire un surplus de picturalit\u00e9. Rohmer est un cin\u00e9aste du cadre, et la valeur de ses plans rappelle le cin\u00e9ma muet ou la peinture. Avec Triple Agent<\/em>, Rohmer se rapproche de deux cin\u00e9astes qu\u2019il a toujours admir\u00e9s mais dans l\u2019influence n\u2019\u00e9tait pas \u00e9vidente dans son cin\u00e9ma\u00a0: Hitchcock et surtout Lang. Ce r\u00e9cit de couple et d\u2019espionnage, d\u2019amour et de mensonge m\u00eale la grande histoire et le suspens conjugal avec un sens implacable du tragique, et une noirceur inhabituelle chez le cin\u00e9aste. Ce film immense sera d\u2019ailleurs un des rares \u00e9checs commercial et critique de son auteur. Quant aux Amours d\u2019Astr\u00e9e et de C\u00e9ladon<\/em>, testament lumineux apr\u00e8s deux films tr\u00e8s sombres, c\u2019est la preuve finale que Rohmer est moderne m\u00eame quand il adapte scrupuleusement un des romans les plus longs de la litt\u00e9rature fran\u00e7aise, l\u2019Astr\u00e9e<\/em> d\u2019Honor\u00e9 d\u2019Urf\u00e9, \u0153uvre pastorale publi\u00e9e aux XVIIe si\u00e8cle et situ\u00e9e dans une Gaule de fantaisie. L\u2019\u00e9rotisme et la sensualit\u00e9 du film, la glorification des corps jeunes et beaux n\u2019ont rien de graveleux mais soulignent une fois de plus la dimension picturale d\u2019un cin\u00e9aste qui fut trop longtemps associ\u00e9 au bavardage et aux dialogue film\u00e9.<\/span><\/p>\n

Je pourrais bien s\u00fbr ajouter d\u2019autres films majeurs \u00e0 cette liste d\u00e9j\u00e0 publi\u00e9e dans Les Cahiers du cin\u00e9ma et Cinemascope, la formidable revue canadienne de Mark Peranson, Saraband<\/em> de Ingmar Bergman, Choses secr\u00e8tes<\/em> de Jean-Claude Brisseau, Zodiac<\/em> de David Fincher, Two Lovers <\/em>de James Gray, The New World<\/em> de Terrence Malick, The Life Aquatic with Steve Zissou<\/em> de Wes Anderson (photo en t\u00eate de texte)\u2026 Inutile de pr\u00e9ciser que les ann\u00e9es 2000, gr\u00e2ce \u00e0 l\u2019\u00e9bullition cr\u00e9atrice des nouveaux cin\u00e9astes du monde entier, la pers\u00e9v\u00e9rance magnifique des grands ma\u00eetres (Godard, Oliveira, Chabrol, Im Kwon-taek, Straub-Huillet), et l\u2019autodestruction des fausses valeurs de la fin du XXe si\u00e8cle m\u2019ont apport\u00e9 plus de plaisir cin\u00e9philique que les ann\u00e9es 80 et 90.<\/span><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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