Name: Kiki Béguin bei ARTE bühnenreif
Uploaded: 2021-04-12T10:00:00.000+02:00
Duration: 272 s
Description: In dieser Folge von ARTE bühnenreif lernen die Zuschauer einen komischen Vogel kennen: Tief im Wald treffen sie auf Kiki Béguin mit ihrem prächtigen Federschmuck. Dort führt die Burlesque-Tänzerin einen Balztanz auf, der wahre Höhenflüge der Wonne auslöst.

Kiki Béguin dans ARTE en Scène

Kiki Béguin bei ARTE bühnenreif

In dieser Folge von ARTE bühnenreif lernen die Zuschauer einen komischen Vogel kennen: Tief im Wald treffen sie auf Kiki Béguin mit ihrem prächtigen Federschmuck. Dort führt die Burlesque-Tänzerin einen Balztanz auf, der wahre Höhenflüge der Wonne auslöst.

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Kiki Béguin ist nicht nur Burlesque-Künstlerin, sondern auch Kostümbildnerin und Stickerin. Bühne und Kostüm sind für sie nicht zu trennen, denn mithilfe ihrer Outfits haucht die Künstlerin den von ihr erschaffenen Figuren und Welten Leben ein. Dabei lässt sie sich in vielfältiger Weise inspirieren, um zugleich poetische und sinnliche, aber auch schelmische Performances zu entwickeln. Kiki Béguin war schon immer von der Mythologie fasziniert, und das ist auch bei ihrer leicht schamanenhaft anmutenden Performance Cocorico nicht anders. Für ARTE bühnenreif verwandelt sich die Künstlerin in eine Göttin – und was für eine: die Göttin von Frankreich! Um dieses höhere Wesen angemessen zu verkörpern, schöpft das Multitalent aus der Mode mehrerer Jahrhunderte und spielt mit unserem gemeinsamen Kulturerbe, um ihm besser huldigen zu können. In Zusammenarbeit mit Adami  Aufzeichnung vom März 2021 in Brousse-Le-Château

In dieser Folge von ARTE bühnenreif lernen die Zuschauer einen komischen Vogel kennen: Tief im Wald treffen sie auf Kiki Béguin mit ihrem prächtigen Federschmuck. Dort führt die Burlesque-Tänzerin einen Balztanz auf, der wahre Höhenflüge der Wonne auslöst.

Kiki Béguin präsentiert Cocorico bei ARTE bühnenreif.

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Der Spanier Marcos Morau ist Choreograf des Compagnie Le Veronal und steht für surrealistische Performances mit präzisen und temporeichen Tänzen in fantastischen, traumartigen Inszenierungen.
Der Schrei der neun Tänzerinnen
Sonoma ist ein Neologismus mit zwei lateinischen Wurzeln: „Soma“, Körper und „sonum“, Klang. Desweiteren bedeutet das Wort in bestimmten indigenen Sprachen Lateinamerikas „Tal des Mondes“. Ein etymologischer Mix, dem das Ballett eindrücklich gerecht wird: Die Körper der Tänzerinnen in der traditionellen Tracht des mittelalterlichen Calanda bewegen sich kraftvoll und schnell, von kräftigen Trommelklängen getragen; Marcos Moraus besonderer Tanzstil kommt vor der Kulisse des Papstpalastes zu Avignon bestens zur Geltung. Ein Schrei, der tief aus dem Innern kommt  und die Vergangenheit zu Hilfe ruft, um der Hektik des Heute zu begegnen.
Aufgezeichnet am 25. Juli im Papstpalast zu Avignon, Frankreich.
Photo © Christophe Raynaud de Lage / Festival von Avignon

Im Ehrenhof des Papstpalastes zu Avignon präsentiert der spanische Choreograf Marcos Morau ein lebendiges, folkloristisches Ballett. Neun Tänzerinnen schicken das Publikum auf eine mystische Reise …

Festival d’Avignon 2021

Ein folkloristisches Ballett mit hypnotischer Kraft

Sonoma von Marcos Morau

Die digitale Poesie von Adrien M & Claire B kam bereits in dem gemeinsam mit Choreograf Mourad Merzouki konzipierten Stück Pixel (2014) zum Ausdruck, das Hip-Hop und virtuose Artistik miteinander kombinierte.Seitdem hat das Duo, bestehend aus einem Jongleur und Informatiker sowie einer Grafikerin und bildenden Künstlerin (heute Leiterin einer Firma mit rund 30 Angestellten), seine poetische Ästhetik unablässig verfeinert. In ihren Performances, Installationen und digitalen Illusionskunst-Büchern lassen die beiden überall in der Welt neue Traumlandschaften erstehen.2020 waren eigentlich zahlreiche Veranstaltungen geplant: zunächst die Ausstellung Faire Corps in der Pariser Location Gaîté Lyrique, und später Acqua Alta, ein immersiver Parcours, bestehend aus einer Live-Show, einem Augmented-Reality-Buch und einem Virtual-Reality-Experiment. Im Mittelpunkt der Live-Show, die das Duo nun am Pariser Théâtre de Chaillot zeigt, stehen eine Frau und ein Mann, die gegen steigende Fluten ankämpfen. Tanz und Computerbildanimationen tauchen die Zuschauer in einen rauschenden Zauber, um den Klimanotstand live erlebbar zu machen.Aufzeichnung am 18. Dezember im Théâtre National de Chaillot, Paris.Foto © Romain Etienne/item et © Adrien M & Claire B 

Die magische Live-Show von Adrien M & Claire B mischt tanzende Körper und Computerbildanimationen. Sie verzaubert die Bühne des Théâtre de Chaillot in eine Traumwelt, um über den Klimanotstand zu reflektieren.

„Acqua Alta“ von Adrien M & Claire B im Pariser Théâtre de Chaillot

Nico and the Navigators zählen in Europa seit mehr als 20 Jahren zu den wichtigen freien Theater-Ensembles. Mit ihren „Staged Concerts” hat die Berliner Gruppe einen beeindruckend neuen Zugriff auf musikalische Werke entwickelt.  Das Kuss Quartett gehört zu den renommiertesten Streichquartetten unserer Zeit, ihre Einspielung der Streichquartette Beethovens zu den Höhepunkten des Beethoven Jahres. In dieser Inszenierung spielen sie unter anderen das Streichquartett F-Dur op. 135 (1826), das Streichquartett C-Dur op. 59, 3 - Finale (1806), Streichquartett in a-Moll op. 132,3, Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit (1825) sowie die Große Fuge op. 133 B-Dur (1826).  Nachdem die Premiere wegen der Pandemie mehrmals verschoben werden musste, fand die Premiere des Stückes im Dezember letzten Jahres als Filmfassung bei ARTE Concert statt.
 

Zum 250. Geburtstag Ludwig van Beethovens bringt das Ensemble um Regisseurin Nicola Hümpel gemeinsam mit dem renommierten Kuss Quartett die Inszenierung "Force and Freedom" auf die Bühne. Im Zentrum des Abends stehen Beethovens späte Streichquartette sowie drei Liedvertonungen des Komponisten. Die Musik wird mit Tanz, Bewegung und Videoprojektionen ganz neu zugänglich gemacht.

Musik: Ludwig van Beethoven

Im Zentrum des Abends stehen Beethovens späte Streichquartette sowie drei Liedvertonungen.

Nico & the Navigators: Force and Freedom

Das Projekt „Nomad“ entstand 2017 auf Anregung des tschechischen Festivals Tanec Praha. Nun hat Sidi Larbi Cherkaoui letzte Hand an seinen damaligen Entwurf gelegt und stellt den Zuschauern die finale Fassung vor.In „Nomad“ lässt der Choreograph die Elemente sprechen – den Sand, den Wind, die Sonne –, aber auch Menschen und Tiere, die in diesen unwirtlichen Gegenden ihr Leben fristen. Es dürstet sie nach Wasser, Spiritualität, Solidarität und endloser Freiheit. Die Wüste hinterlässt Spuren bei jedem, der sie durchquert, und erschafft so eine symbiotische Verbindung zwischen sich und ihren Bewohnern.Doch „Nomad“ ist nicht nur eine visuelle Reise durch die Wüste, sondern auch eine klangliche: Die Tänzer der Kompanie Eastman bewegen sich im Rhythmus traditioneller Gesänge, aber auch sufistischer und elektronischer Musik. Erschaffen hat diese Klanglandschaften Felix Buxton von Basement Jaxx, der bereits zum vierten Mal mit Sidi Larbi Cherkaoui zusammenarbeitet.Aufzeichnung vom 16. Oktober 2020 im Théâtre National de Bretagne, Rennes.Foto © Gwendal Le Flem

Mit „Nomad“ hat der Choreograph Sidi Larbi Cherkaoui das Théâtre National de Bretagne mitten in die Wüste versetzt. Auf der Bühne des Theaters in Rennes verkörpern elf Tänzer die endlosen Weiten der Wüste in all ihrer Schönheit aber auch Grausamkeit. Eine eindringliche und atmosphärische Aufführung.

„Nomad“ von Sidi Larbi Cherkaoui

Eigentlich hätte das Festival Montpellier Danse im Juni 2020 sein 40‑jähriges Bestehen feiern sollen. Stattdessen herrschte Stille in der legendären Agora - Cité Internationale de la Danse: Die Coronakrise hatte vorerst über die Jubiläumsausgabe des Festivals gesiegt – nicht aber über die Beharrlichkeit seines Leiters. Monatelang feilten Jean-Paul Montanari und sein Team an einem – wenn auch reduzierten – Festival, das schließlich unter dem Namen „40 Bis“ mit mehreren über den Herbst verteilten Veranstaltungen stattfand. In der aktuell unübersichtlichen Lage bedarf es vermutlich noch eines langen Atems, bevor die Tänzer erneut die ersten Schritte auf der Bühne der Agora wagen und die Festivalgeschichte, die dort 1981 begann, mit alten und neuen Choreographien fortschreiben können.Die Dokumentation lässt die Gestalter dieser Geschichte – Festivaldirektor Jean-Paul Montanari sowie die ChoreographInnen Anne Teresa De Keersmaeker, Mathilde Monnier, Angelin Preljocaj, Maguy Marin, Emanuel Gat, Raimund Hoghe, Catherine Legrand und Nadia Beugré – zu Wort kommen und beleuchtet mit Auszügen aus aktuellen Stücken und Höhepunkten früherer Aufführungen vier Jahrzehnte Tanz in Montpellier.In seinem langjährigen Bestehen hat das Festival vieles erreicht: Es erhob Montpellier in den Rang einer internationalen Hauptstadt des tänzerischen Schaffens und trug dazu bei, den zeitgenössischen Tanz zu einer großen, welthaltigen Kunstform zu machen. So stehen hinter dem Ringen um das 40. Festivaljubiläum auch die Passion für den Tanz und das Wissen um seine absolute Notwendigkeit.

Die 40. Ausgabe des Festivals Montpellier Danse wurde im letzten Sommer wegen der Corona-Pandemie abgesagt. Die Doku zeichnet mit aktuellen Choreographien und Höhepunkten aus dem über die Jahrzehnte gewachsenen tänzerischen Schaffen die 40-jährige Geschichte des zeitgenössischen Tanzes nach, die das Festival maßgeblich mitschrieb.

Vier Jahrzehnte Tanz

Höhepunkte aus 40 Jahren tänzerischen Schaffens in Montpellier

40 Jahre Montpellier Danse

Mit „Eau“ hatte Carolyn Carlson 2010 einen Zyklus von Choreografien begonnen, die ihre Inspiration aus den Werken des Philosophen Gaston Bachelard schöpften.  Es folgten „Pneuma“ und „Now“. Mit „The Tree (Fragments of Poetics on Fire)“ findet das ehrgeizige Projekt nun seinen Abschluss. „The Tree“ ist Liebeserklärung und Hilferuf zugleich: Während die Unersättlichkeit der Menschen das Gleichgewicht der Erde bedroht, richtet Carolyn Carlson die Aufmerksamkeit der Zuschauer auf die Schönheit der Natur – und die Wunder, die sie hervorbringt. Gleichzeitig fordert sie dazu auf, Verantwortung für die Umwelt zu übernehmen und auf eine glückliche Zukunft hinzuarbeiten.Neun Tänzerinnen und Tänzer verkörpern auf der Bühne des Théâtre de Chaillot die vier Elemente Feuer, Erde, Wasser und Luft, die schon seit jeher die Phantasie der Menschen beflügeln. Dabei erzeugen sie Szenen von vollendeter Schönheit – auch dank der wunderbaren Kostüme, die der chinesische Maler und Dramaturg Gao Xingjian in Tusche auf Leinwand ausgeführt hat.Aufzeichnung vom 11. Mai 2021 im Chaillot – Théâtre National de la Danse, Paris

Carolyn Carlson und ihre Tänzer*innen verabschieden sich mit einer letzten Kreation. Auf der Bühne des Théâtre National de Chaillot präsentieren sie The Tree (Fragments of poetics on fire) - eine Ode an die Natur und die Elemente.

„The Tree“ von Carolyn Carlson im Théâtre de Chaillot

Zum Programm des Tanzensembles der renommierten Pariser Hochschule für Musik und Tanz gehören neben neoklassischen und zeitgenössischen Stücken jedes Jahr auch die Uraufführungen neuer Choreografien. Für die jungen Tanztalente in Ausbildung ist dies ein besonderes Erlebnis und zugleich die Möglichkeit, Bühnenerfahrung zu sammeln.

Der Jahrgang 2021 präsentiert die Uraufführungen von zwei namhaften zeitgenössischen Choreografen; beide Stücke wurden extra für diesen Anlass choreografiert. Den Auftakt bildet „Unspoken Thoughts“ von Julian Nicosia, der selbst im Ensemble des Balletts der Lyoner Oper tanzte. Es ist ein hypnotisierendes Ballett, bei dem sich die Bewegungen der im Halbdunkel tanzenden Körper nur erahnen lassen. Das Ziel ist, die Wahrnehmung des Publikums zu stören und seine Vorstellungskraft anzuregen. Es folgt „Circonstances“ von Boris Charmatz, der dafür bekannt ist mit Konventionen zu brechen und als Aushängeschild des zeitgenössischen Tanzes gilt. Jedes Mitglied des Ensembles lebt seine eigene, originelle Ausdrucksweise voll aus. Trotz der unkoordiniert wirkenden Bühnenaktivität entsteht ein Gleichklang voller Lebendigkeit, getragen von der Spontanität der jungen Tänzer und Tänzerinnen.


Programm:
Unspoken Thougts, Julian Nicosia Circonstances, Boris Charmatz

Der Jahrgang 2021 der Tanzabteilung des Pariser Konservatoriums präsentiert die Uraufführungen von „Unspoken Thoughts“ von Julian Nicosia und „Circonstances“ von Boris Charmatz: zwei faszinierende zeitgenössische Werke, die extra für diesen Anlass choreografiert wurden.

Das Tanzensemble des Pariser Konservatoriums präsentiert Werke von Boris Charmatz und Julian Nicosia.

Das Tanzensemble des Pariser Konservatoriums

In „New Ocean Sea Cycle - Pinakothek Ed. 1/14 – Baffin" entwirft Siegal (zusammen mit dem Lichtkünstler Matthias Singer) ein mathematisches System, das mittels eines eigens entwickelten Algorithmus Datensätze des Klimawandels in choreografische Handlungen übersetzt. So basiert die Choreografie auf einer grafischen Darstellung des Ausmaßes, in dem das Polareis die Meere in der Polarregion bedeckt. So technisch diese Methode klingt, ermöglicht sie trotzdem die besondere Einzigartigkeit jeder einzelnen Vorstellung. In der Rotunde der Pinakothek der Moderne präsentiert der renommierte Choreograph Richard Siegal seine neue Kreation. Der Aufführung in der Pinakothek der Moderne liegt die Entwicklung der Baffin-See zugrunde. Unter der gewaltigen Kugel der Skulptur HOWL des indisch-britischen Künstlers Anish Kapoor stellt Richard Siegal seine Choreographie in direkten Bezug zum Raum und macht den Klimawandel für alle spürbar.Der US-amerikanische Choreograf Richard Siegal arbeitet mit seiner am Schauspiel Köln beheimateten und tief in München verwurzelten Kompanie Ballet of Difference an hybriden Formen, in denen sich nicht nur unterschiedliche Kunstdisziplinen, sondern auch ästhetische und naturwissenschaftliche Perspektiven wechselseitig durchdringen. In seiner Arbeit NEW OCEAN etwa integriert Siegal einen skulpturalen Ansatz tanzender Körper gemeinsam mit ökologischen Fragestellungen zur globalen Erwärmung in ein mathematisches Choreografie-System. Für die Pinakothek der Moderne arbeitet Richard Siegal an einer choreografischen Form, die die Körper der Tänzer*innen aktiv in einen Dialog mit der Architektur und der Skulptur HOWL von Anish Kapoor treten lässt. Als Träger einiger der begehrtesten Kunstpreise und hoher ziviler Auszeichnungen gehört Anish Kapoor zu den weltweit angesehensten Künstlern unserer Zeit, Richard Siegal setzt seit Jahren mit seinem Ballet of Difference Maßstäbe in Sachen Diversität, Relevanz und begeisterter Akzeptanz beim Publikum. Foto © Thomas Schermer

New Ocean Sea Cycle - Pinakothek Ed. 1/14 – Baffin: Der US-amerikanische Choreograph Richard Siegal arbeitet mit seiner am Schauspiel Köln beheimateten und tief in München verwurzelten Kompanie Ballet of Difference an hybriden Formen, in denen sich nicht nur unterschiedliche Kunstdisziplinen, sondern auch ästhetische und naturwissenschaftliche Perspektiven wechselseitig durchdringen.

Ballett von Richard Siegal in der Pinakothek der Moderne

Richard Siegal und sein Ballett of Difference mit dem New Ocean Sea Cycle - Pinakothek Ed. 1/14 – Baffin live aus der Pinakothek der Moderne München

New Ocean Sea Cycle

„Rhythm Is It!“ begleitet drei jugendliche Protagonisten während der dreimonatigen Probenzeit bei ihrer Teilnahme an einem von den Berliner Philharmonikern ins Leben gerufenen Tanzprojekt. Für 250 Berliner Kinder und Jugendliche aus 25 Nationen steht Igor Strawinskys „Le Sacre du Printemps“ auf dem Probenplan, für Marie, die noch um ihren Hauptschulabschluss bangt, für Olayinka, der erst vor kurzem als Kriegswaise aus Nigeria nach Deutschland gekommen ist, und für Martin, der mit seinen eigenen inneren Barrieren zu kämpfen hat. Hartnäckig und mit großer Liebe leiten Royston Maldoom und sein Team die ersten Tanzschritte der Kinder und Jugendlichen an, von denen die meisten keine Erfahrung mit klassischer Musik haben. Im Verlauf der Proben lernen sie alle Höhen und Tiefen kennen, wie Unsicherheit, Selbstbewusstsein, Zweifel und Begeisterung: eine emotionale Reise in neue, ungeahnte Welten und zu verborgenen Facetten ihrer Persönlichkeiten. Geschickt verweben die Regisseure Thomas Grube und Enrique Sánchez Lansch die Workshops mit den Proben der Berliner Philharmoniker – ein einmaliger, mitreißender Einblick in die Arbeit des Orchesters während eines historischen Moments. Die erste Saison mit Sir Simon Rattle markiert den Aufbruch in eine neue Ära, in der die Berliner Philharmoniker ihre Arbeit selbstbewusst in die gesellschaftlichen Räume außerhalb des Konzertsaals tragen. Fast beiläufig zeichnen die Regisseure die packenden Porträts von Simon Rattle und Royston Maldoom, der seit 30 Jahren Tanzprojekte an sozialen Brennpunkten realisiert. In den Schlüsselpunkten ihrer Künstlerbiografien spannt sich mit einem Mal der Bogen zu den Turnhallen und Proberäumen, in denen die jungen Tänzerinnen und Tänzer voller Leidenschaft, aber auch Zweifel an „Le Sacre du Printemps“ arbeiten.

250 Berliner Kinder und Jugendliche aus 25 Nationen tanzen Igor Strawinskys "Le Sacre du Printemps": Im Jahr 2003 haben der Chefdirigent Sir Simon Rattle und die Berliner Philharmoniker ihr erstes großes "Education-Projekt" geleitet. Der preisgekrönte Dokumentarfilm begleitet drei jugendliche Protagonisten während der dreimonatigen Probenzeit.

Strawinsky in Berlin: Hinter den Kulissen eines außergewöhnlichen Tanzprojekts. 

Rhythm Is It!

2012 gründete Ousmane Sy die zu 100 % weibliche Afro-House-Crew Paradox-Sal. Es war ein neuer Schritt einer atemberaubenden Karriere, die von Auszeichnungen und Glanzleistungen gesäumt war. Mit seiner Truppe kreierte Babson Stücke, die von der US-House-Kultur und von afrikanischen Tänzen gleichermaßen inspiriert waren.Vor den Kameras von ARTE bühnenreif präsentiert Paradox-Sal einen Ausschnitt von Ousmane Sys Werken: der abschließende Teil der Produktion Queen Blood. In der Originalversion dieses „Hip-Hop-Balletts“, das vor weiblicher Energie nur so strotzt, verbinden sich Unisonopartien mit Solotänzen. So kommt die Einzigartigkeit jeder Tänzerin zum Vorschein, während sich Krump, Dancehall, Locking und Popping miteinander abwechseln. In ihren Bewegungen hinterfragen die sieben Tänzerinnen – allesamt Battle-Siegerinnen – ihre Situation als Frau und erzählen von Selbstbestimmung und Unrecht. Ein humanitäres Werk, in dem sich das Genie von Babson noch einmal zeigt.Performance-Mitschnitt vom April 2021 in der Orfèvrerie, Saint-Denis.

Der unerwartete Tod des Tänzers und Choreografen Ousmane Sy (alias Babson) hat zahlreiche Hip-Hop-Tänzer*innen als Waisen zurückgelassen. Einige Monate nach seinem Tod ehren die Frauen des Kollektivs Paradox-Sal sein Erbe, indem sie für ARTE bühnenreif eine seiner letzten Bühnenwerke aufführen: Queen Blood.

Paradox-Sal performt Queen Blood bei Arte bühnenreif.

Paradox-Sal bei ARTE bühnenreif

Die zauberhafte Geschichte Dornröschens kennt wohl jeder seit seiner Kindheit aus den Märchen der Brüder Grimm: Verwünscht von einer bösen Fee, fällt eine schöne Königstochter in einen hundertjährigen Zauberschlaf, nachdem sie sich an einer Spindel sticht – erlöst wird die schlafende Schönheit von dem Kuss eines Prinzen, mit dem sie schließlich eine prunkvolle Hochzeit feiert.Uraufgeführt wurde das Ballett zur Musik Tschaikowskys im Januar 1890 in der Choreographie Marius Petipas am Mariinski-Theater in Sankt Petersburg. Das wiedereröffnete Bolschoi-Theater zeigt im Jahr 2011 die Neuinszenierung des Balletts. Die berühmte Petipa-Choreographie diente Juri Grigorowitsch, von 1964 bis 1995 künstlerischer Leiter des Bolschoi, und seit 2008 erneut am Bolschoi-Theater tätig, als Vorlage seiner Inszenierung. Die Rolle der Prinzessin Aurora wird von Svetlana Zakharova übernommen, Solotänzerin des Bolschoi-Ballettes und eine der größten Ballerinen unserer Zeit. Das Bühnenbild von Ezio Frigerio und die Kostüme von Franca Squarciapino entführen in eine fantastische Zauberwelt.

Die berühmte Dornröschen-Choreographie von Marius Petipa (1818-1910) diente Juri Grigorowitsch, von 1964 bis 1995 künstlerischer Leiter des Bolschoi und seit 2008 erneut am Bolschoi-Theater tätig, als Vorlage seiner Inszenierung. Die Rolle der Prinzessin Aurora wird von einer der größten Tänzerinnen unserer Zeit und Solotänzerin des Bolschoi übernommen: Svetlana Zakharova.

"Dornröschen" war eine der Neuinszenierungen des 2011 wiedereröffneten Bolschoi-Theaters in Moskau.

Dornröschen

Dieser expressive Tanzstil kommt ursprünglich aus den Armenvierteln von Los Angeles und erfreut sich heute einer internationalen Beliebtheit. Bei dem vom Kollektiv Madrootz ins Leben gerufenen Wettbewerb messen sich jährlich Künstler aus der ganzen Welt und demonstrieren eindrücklich die Variantenvielfalt des Freestyle-Tanzes.Bei der 8. Wettbewerbsausgabe im April 2021 wetteifern die Tänzer in zwei Kategorien um den Sieg: In den Eins-gegen-Eins-Duellen „1vs1 Guyz“ für Männer und „1vs1 Girlz“ für Frauen. Doch auch wenn es sich um einen Wettbewerb handelt, stehen die gemeinsamen Werte des Krumping im Mittelpunkt: Ausdrucksfreiheit, Einklang mit sich selbst und Überwindung eigener Grenzen.Die Teilnehmenden des International Illest Battle 2021 sind: Grichka, Brui5er, Kid Ny, Needlez Valentin My exp, MC Dirty, Morf, Babygirl Naab, Mubulu, Girl Mainevent, Hendrickx, Queen Buckhype, Girl Street Ish, Princess Wave, Lady Madskillz, flipside, No Script, Lil Sniper, Jamsy, Cyborg, Beerus, Wolf, Kellias, Sosa, Rowdy, Dexter, Tha Vurgg, Heavy, Be street Buck, MainEvent und Wrestler.Mitschnitt des Wettbewerbs vom 3. April 2021 in La Villette, ParisFoto © Little Shao

Die Crème de la Crème des Krumping erobert La Villette! Seit seiner Gründung im Jahr 2013 ist das International Illest Battle eines der wichtigsten Großereignisse der Krumping-Community. 

Die Crème de la Crème des Krumping erobert La Villette!

International Illest Battle – 100% Krump

Kiki Béguin ist nicht nur Burlesque-Künstlerin, sondern auch Kostümbildnerin und Stickerin. Bühne und Kostüm sind für sie nicht zu trennen, denn mithilfe ihrer Outfits haucht die Künstlerin den von ihr erschaffenen Figuren und Welten Leben ein. Dabei lässt sie sich in vielfältiger Weise inspirieren, um zugleich poetische und sinnliche, aber auch schelmische Performances zu entwickeln.Kiki Béguin war schon immer von der Mythologie fasziniert, und das ist auch bei ihrer leicht schamanenhaft anmutenden Performance Cocorico nicht anders. Für ARTE bühnenreif verwandelt sich die Künstlerin in eine Göttin – und was für eine: die Göttin von Frankreich! Um dieses höhere Wesen angemessen zu verkörpern, schöpft das Multitalent aus der Mode mehrerer Jahrhunderte und spielt mit unserem gemeinsamen Kulturerbe, um ihm besser huldigen zu können.In Zusammenarbeit mit Adami Aufzeichnung vom März 2021 in Brousse-Le-Château

Von Künstlern heißt es oft, sie hätten besonders empfindsame Antennen für die Umbrüche ihrer Zeit. Room With a View bestätigt diese These. Das Stück entstand im März 2020 auf Anregung des Pariser Théâtre du Châtelet; es will wachrütteln und dazu aufrufen, unseren Umgang miteinander und mit der Welt zu hinterfragen. Auf der Bühne entwickelt sich aus einer postapokalyptischen Atmosphäre ein aufrührerisches Chaos, das Hoffnung auf eine bessere Zukunft aufkeimen lässt. Wie Ironie des Schicksals mag es da freilich wirken, dass Rones Musik nur dreimal im Châtelet-Theater erklingen durfte, bevor der erste Lockdown sie zum Schweigen brachte.Ein Jahr später, da viele von uns noch immer im eigenen „Room with A View“ eingesperrt sind, hat dieses Stück nichts von seiner Aussagekraft verloren, ganz im Gegenteil: Jeder Ton, jedes Bild wird zum rettenden Ventil, denn selten war die Lust zu feiern und mit anderen zusammen zu sein so stark wie heute.Setlist :Room with A View Le Crapaud Doré Esperanza Raverie Human Le Jour Commence (ft. Jehnny Beth)Konzertmitschnitt vom 8. Dezember 2020 in der Cité du cinéma, La Plaine Saint-DenisFoto © Aurélie Lamachere

Echoes With Jehnny Beth : Rone & La Horde

Rone & [LA)HORDE mit der Choreografie Room With a View bei Echoes with Jehnny Beth

Rone & (LA)HORDE - Echoes With Jehnny Beth

Die „verliebte Boxerin“, die allen Schlägen ausweicht und immer wieder auf die Beine kommt, ist eine Hommage an die Mutter von Arthur H, aber auch an die Widerstandskraft der Frauen generell. Ein packender Text auf eine Musik, die stellenweise an Bach erinnert – ein großes Vorbild, das der Sohn von Jacques Higelin sogar in den Mittelpunkt eines ganzen Konzertes stellt.Für die szenische Aufführung von „La Boxeuse amoureuse" wurde das Auditorium des Konzertsaals La Seine Musicale in einen Boxring verwandelt. Das Casting ist hochkarätig: Neben Arthur H performen Marie-Agnès Gillot (die schon im Clip zu sehen war) und der französische Boxchampion Souleymane Cissokho.Drei Bühnentiere mit unterschiedlichem Stil verbinden Musik, Tanz und körperliche Hochleistung zu einem grandiosen Spektakel. Sie tragen einen symbolischen Kampf voller Gefühl und Ambivalenz aus.Konzertmitschnitt vom 22. September 2020 in La Seine Musicale, Boulogne-Billancourt

2017 veröffentlichte Arthur H einen neuen Song mit dem Titel „La Boxeuse amoureuse“. Der ungewöhnliche Clip dazu zeigt die französische Choreografin und Ballerina Marie-Agnès Gillot und den Schauspieler Roschdy Zem in einem getanzten Zweikampf. Drei Jahre danach sonderte der Musiker das erfolgreiche Stück aus, um es zu einem eigenständigen Bühnenprogramm zu erweitern.

Ein symbolischer Kampf, voller Gefühl und Ambivalenz

„La Boxeuse amoureuse" von Marie-Agnès Gillot und Arthur H

Airi Kobayashi, Charlotte Cohen, Andrey Jesus Maciano, Robin Park, Luiza Falcão, Koharu Yamamoto, Liya Fan, Jooyoung Kwon, Seojeong Yun, Giulio Diligente, António Casalinho, Francisco Gomes, Lorien Ramo Ruiz, Kayke Nogueira De Carvalho, Luca Abdel-Nour, Saïd Ramos Ponce, Ashley Coupal, Marti Gutiérrez Rubi, Shunhei Fuchiyama und Rui Cesar Cruz ... Zwanzig Bewerberinnen und Bewerber stehen noch im Wettbewerb und nur eine Handvoll wird gewinnen. Ihnen werden die renommiertesten Tanzschulen der Welt offenstehen.
Das Finale ist auch ein schöner Anlass, um den Tanz ganz allgemein zu feiern. Den Auftakt gibt eine Aufführung der Ballettschule der Opéra National de Paris, es folgen zwei Preisverleihungen: ein Lifetime Achievement Award an Wayne McGregor (dessen Arbeit die Freunde des Prix de Lausanne gut kennen) und ein Young Creation Award (der in diesem Jahr erstmals an junge Choreografinnen und Choreografen verliehen wird).Programm:
14.00 Uhr – Einführung 14.10 Uhr – Klassische Variationen 15.00 Uhr – Zeitgenössische Variationen 15.40 Uhr – Zwischenspiel, Young Creation Award und Lifetime Achievement Award 16.40 Uhr – Preisverleihung

Heute ist das Finale des 49. Prix de Lausanne. Nach fünf spannenden Tagen kommt die Expertenjury ein letztes Mal zusammen, um die Gewinner und Gewinnerinnen dieser ganz besonderen Ausgabe des Prix de Lausanne auszuwählen. Neben dem Wettbewerb hält der letzte Tag noch andere schöne Überraschungen für Sie bereit.

Endspurt für die Finalistinnen und Finalisten des 49. Prix de Lausanne!

49. Prix de Lausanne – Finale

Wie wir alle lebt Marie Claude Pietragalla seit mehreren Wochen eingeschlossen bei sich zu Hause. Weit weg von der Bühne bleibt der kreative Impuls jedoch lebendig. Inmitten dieser Gefangenschaft, dem eingesperrten Körper, aber dem freien Geist, schenkt sie uns "L'Envolée" (Die Flucht).

Tänzerin Marie Claude Pietragalla schenkt uns inmitten der gesellschaftichen Isolation "L'Envolée" (Die Flucht).

Marie-Claude Pietragalla tanzt "L'Envolée"

Mourad Merzouki hat mit seinen lebendigen und poetischen Choreografien den urbanen Tanz salonfähig gemacht. In Yo Gee Ti (2012) und Répertoire #1 (2014) vereinte er klassische und zeitgenössische Ausdrucksformen mit Hip-Hop und schuf eine einzigartige Ästhetik, die durch die rastlose Beweglichkeit seiner Tänzer genährt wird.In dem von ihm geleiteten Zentrum für Choreografie CNN Créteil & Val-de-Marne arbeitet Merzouki mit der Compagnie Adrien M / Claire B zusammen, die in virtuellen Installationen und dreidimensionalen Performances den Dialog zwischen Körper und digitaler Illusion auslotet.  

In Pixel bewegen sich die Körper der Tänzer durch einen sich ständig wandelnden digitalen Raum, bis Illusion und Realität miteinander verschmelzen.

"Pixel" von Mourad Merzouki beim Festival Kalypso

Manon Bouquet fühlt sich im modernen Tanz ebenso wohl wie im klassischen Tanz. In ihrer seit 2012 währenden Karriere war sie bereits an der Seite der ganz Großen des französischen Chansons zu sehen, sei es in Videoclips oder auf Tournee. Dank ihrer umtriebigen Art trat die Künstlerin bereits in so unterschiedlichen Formaten wie Musicals, Opern und TV-Sendungen auf.In Le Rêve perdu kämpft Manon Bouquet gegen die Elemente. Sie trotzt dem Wind, gibt sich ihm hin, ringt nach Luft, widersteht, um schließlich in den strandenden Wellen zusammenzubrechen. Aus diesem Kampf entsteht eine unsichtbare Kraft, eine Präsenz. So gelingt es der Tänzerin, die Leere, die durch das Fehlen eines Publikums entsteht, zu füllen. Denn Manon Bouquet ist eine Bühnenkünstlerin, in deren künstlerischem Schaffen eigentlich Gemeinsamkeit und Austausch zentrale Elemente bilden. Bannen wir gemeinsam die Leere, die uns voneinander trennt.Mitschnitt einer Performance im August 2020 in Saint-Aubin-sur-Mer.

Eine Tänzerin, das Meer und der Horizont bilden den Rahmen der neuen Nummer bei ARTE en scène. An einem Strand in der Normandie, wo sich das Grau des Himmels mit dem stürmischen Meer verbindet, zeigt Manon Bouquet eine bisher ungezeigte Kreation mit dem Titel Le Rêve perdu.

Manon Bouquet präsentiert Le Rêve perdu (Der verlorene Traum) für ARTE en scène.

Manon Bouquet bei ARTE bühnenreif

Leïla Ka, eine Tänzerin aus der westfranzösischen Hafenstadt Saint-Nazaire, verbindet in ihrem Tanz unterschiedlichste Stile und Einflüsse. Sie interpretiert Werke renommierter Choreografen, wie das ikonische und theatrale „May B“ von Maguy Marin, aber auch Stücke von Alexandre Fandard und Olivier de Sagazan. Bei all dieses Choreografien bewies sie eine starke Ausstrahlungskraft.Für ARTE bühnenreif präsentiert sie einen Auszug aus ihrem ersten eigenen Stück, „Pode ser“ (2018), für das sie fünf internationale Preise gewann. In dieser introspektiven und zugleich universellen Performance mischen sich Einflüsse aus Hip-Hop, zeitgenössischen Tanz und Theater bei der Ergründung der komplexen Schwierigkeiten der menschlichen Existenz. Dabei verwandelt sich der hübsche Barock-Salon eines Pariser Rathauses in eine Bühne, auf der die Tänzerin in Kleid, Jogginghose und Turnschuhen anmutig ihr Selbst erkundet.Die Performance wurde am 23. Oktober in Paris aufgezeichnet.

Mit ihrem sensiblen, pointierten und einzigartigen Stil zieht die junge Tänzerin Leïla Ka das Publikum in ihren Bann. Bei ARTE bühnenreif veröffentlicht sie einen Auszug aus ihrem lebenshungrigen Solo-Programm „Pode ser“, in dem sie sich auf die Suche nach ihrer Identität begibt und mit vielen Stereotypen aufräumt.

Leïla Ka präsentiert bei ARTE bühnenreif ihr Stück „Pode ser“ (portugiesisch: kann sein).

Leïla Ka bei ARTE bühnenreif

Seitdem er 2010 die Compagnie Massala gründete, baut Fouad Moussouf Brücken zwischen urbanen Kulturen und arabischen Traditionen und hebt die Grenzen zwischen Hip-Hop, zeitgenössischem Tanz und Zirkus auf. Sein künstlerisches Schaffen ist ein Ausloten von Gefühlswelten und eine Auseinandersetzung mit Herkunft und Wurzeln.Um diese Themen geht es auch in Näss, zu Arabisch „das Volk". Darin mischt Fouad Moussouf den populären Charakter des Hiphops mit Gesten und Rhythmen, die traditionellen Riten und Tänzen entlehnt sind. Der Name dieser Performance ist auch eine Anspielung auf die marokkanische Gruppe Nass El Ghiwane, die in den 70er Jahren die Gwana-Kultur bekannt machte. Sie kombinierte damals anspruchsvolle Texte und traditionelle Poesie und schöpfte dabei sogar aus der Sufi-Mystik.Diese Durchmischung und die zutiefst menschliche Seite ist auch in Näss zu finden, einem Werk, in dem Körper und Klänge den ganzen Raum ausfüllen.Aufgezeichnet im Dezember 2020 im Pariser Musée d'Art Moderne.

Für ARTE bühnenreif bietet die Compagnie Massala eine Mischung aus Live-Performance und Bildkunst. Acht Tänzerinnen und Tänzer treten in einem mit Fresken geschmückten Raum auf, die dem Wunder der Elektrizität huldigen. Das perfekte Setting für die tribale, aufgeladene Choreografie Näss.

La Compagnie Massala präsentiert Näss für ARTE bühnenreif

La Compagnie Massala bei ARTE bühnenreif

Für das Programm „Mozart tanzen im 21. Jahrhundert" des Balletts der Opéra national du Rhin haben sich Rubén Julliard und Marwik Schmitt, zwei Tänzer-Choreografen des Balletts der Opéra national du Rhin, einem der größten Komponisten aller Zeiten gewidmet. Was bedeutet es Mozarts Musik im 21. Jahrhundert zu interpretieren und zu tanzen? 
Wie konnte Mozarts Kunst zwischen den Erwartungen seiner Zeit und seiner eigenen, ganz intimen Sprache Gestalt annehmen? „Konnte er sein Talent ausleben oder litt er darunter?", fragt sich Rubén Julliard in der ersten Programmhälfte Amadé, die auf das Wunderkind Mozart fokussiert, choreografiert auf das Andante des Klavierkonzerts no 21 und auf Auszüge von Mozarts Requiem.  „Ganglow", choreografiert von Marwik Schmitt auf Auszüge aus dem Requiem, auch in modernen Versionen, handelt dann von Mozarts möglichen Erinnerungen an sein besonderes Verhältnis zu den Weber-Schwestern zum Zeitpunkt seines frühen Todes. Eine bewegende Kreation aus Musik und Tanz, speziell konzipiert  für ein jüngeres Publikum und eine Veranstaltung für die ganze Familie.Das Ballet de l’Opéra national du Rhin wurde 1972 gegründet. Es ist eines der wenigen französischen Ensembles, das von barock bis modern und von klassisch bis zeitgenössisch sämtliche Tanzstile beherrscht. Davon zeugt nicht zuletzt die lange Liste der Choreograf-innen, die mit ihm gearbeitet haben: von Bournonville über Balanchine, Kylián, Béjart, Forsythe und Lucinda Childs bis Heinz Spoerli.  Zum Ensemble gehören 32 festangestellte TänzerInnen aus der ganzen Welt. Seit 2017 ist Bruno Bouché künstlerischer Leiter der Compagnie.

Mozart verbindet man mit Oper, Kammermusik und Sinfonien, nicht aber mit Tanz. Anders die Ballettkompagnie der Opéra National du Rhin, auf deren Spielplan 20/21 die Uraufführungen zweier an Leben und Werk des Komponistengenies inspirierter Choreographien stehen. Entdecken Sie zwei unterschiedliche Mozart-Visionen, Amadé von Rubén Juillard und Ganglow von Marwik Schmitt, die sich besonders auch an ein jüngeres Publikum wenden. 

Ballet du Rhin

Was bedeutet es Mozarts Musik im 21. Jahrhundert zu interpretieren und zu tanzen?

Mozart tanzen im 21. Jahrhundert

Dafür bat José Montalvo sieben junge Choreographen um ihre Unterstützung: Delphine Caron (zeitgenössischer Tanz), Sylvain Groud (zeitgenössischer Tanz), Merlin Nyakam (afrikanischer Tanz), Chantal Loial (afro-karibischer Tanz), Warenne Adien (Krumping), Fouad Hammani (HipHop), Kaori Ito (zeitgenössischer Tanz) und Fouad Hammani (HipHop). Jede(r) von ihnen steht für ein ganz eigenes tänzerisches Universum und einen individuellen Blick auf Béjarts Werk. Die sieben Choreographen arbeiteten über mehrere Tage mit 160 hochklassigen Amateurtänzern aus der Gegend von Paris. Sie werden die Neuinterpretation dieses Tanzklassikers unter der Kuppel des Grand Palais aufführen. Neben diesen alternativen Lesarten werden Béjarts Originalwerk sowie eine Variation des Choreographen Hervé Robbe vom Centre National de Danse Contemporaine d’Angers gezeigt.Der Grand Bal ist als ebenso künstlerisches wie volkstümliches Vergnügen für jedermann gedacht. Entsprechend sind alle dazu eingeladen, am 13. Juli mitzufeiern. Eine Begegnung von konkreter Musik, zeitgenössischen und populären Tänzen, Tanzprofis und Amateuren, die neue Horizonte öffnet.

Avignon im Sommer 1967: Maurice Béjart verleiht der Musik von Pierre Henry und Michel Colombier im Ehrenhof des Papstpalastes eine mittlerweile legendäre Körperlichkeit. 50 Jahre später schenkt José Montalvo den jungen Generationen die Möglichkeit, diesen Moment mit eigenen Augen zu erleben. Der Grand Bal steht daher diesmal ganz im Zeichen der Messe pour le temps présent.

Acht Choreographen und 160 Amateurtänzer treffen sich im Grand Palais zu einem Grand Bal der besonderen Art.

Le Grand Bal, Variationen zu „Messe pour le temps présent“

Auf zum Tanz!

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ARTE bühnenreif

Es ist Nacht, als wir Emma Mouton auf der Pont d'Avignon entdecken. Die Tänzerin ist dabei, uns in ein ebenso sinnliches wie fremdes Universum zu entführen.

Sur le Pont d’Avignon

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In der Hauptrolle der viel gelobten Inszenierung brilliert Judith Chemla als Sängerin, Schauspielerin und am Klavier.

Traviata - Ihr verdient eine bessere Zukunft

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Höhepunkte

Streetdance trifft Barockmusik: Eine Neuinszenierung von Jean-Philippe Rameaus Ballett-Oper "Les Indes galantes".

Les Indes galantes von Jean-Philippe Rameau

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Der Papstpalast zu Avignon, wie man ihn noch nie gesehen hat.

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